Planificación Escuela de Educación Estética Ciclo 2015

Fundamentación

 

En nuestras Escuelas de Estética, se da más que en otras la posibilidad de crear de modo permanente un espacio en el que se contribuya al diseño y negociación democrática del desarrollo curricular institucionalmente situado. Espacio que surge de una epistemología evolutiva, reflexiva y compleja de la práctica, que parte de los problemas relevantes y de las ideas personales que los describen e interpretan;  estos son los pilares sobre los que se construye el conocimiento y saber escolar socializado y compartido. Y es en esto en lo que consisten, justamente, los aprendizajes: en la construcción de conocimientos y saberes, personal y colectivamente significativos.

Los procesos de aprendizaje escolar en nuestras instituciones de la educación artística, necesitan para desarrollarse con éxito la constitución de colectivos grupales, en realidad todas las instituciones educativas necesitan de esta constitución, para desarrollar el currículum  con un aceptable grado de calidad académica, pero en las nuestras - esta nota característica - se debe asumir como irrenunciable; tal vez con el tiempo y con el andar transformador firme, no renunciar - bajo ningún concepto - a la presencia efectiva de la grupalidad en nuestras aulas, sea una de las exigencias  generalizadas en todo el sistema educativo.

Nuestros lenguajes, eminentemente abiertos y dinámicos, están dotados de modos de enunciación de gran espesor sígnico, no limitados a la comunicación verbal oral o escrita y esto nos coloca en una fase histórica particular en lo que hace a nuestro especial rol al interior de la educación pública.

Hoy debe tenerse en cuenta que los modos de recepción han cambiado, sobre todo  influidos en su constitución, por la actividad de los órganos de producción, circulación y distribución cultural de la massmedia.

Debemos tener en claro que nuestros lenguajes artísticos, pluricódicos y complejos, son un poderoso medio de impacto en la inteligencia, en condiciones de atender a la realización de las finalidades educativas, que anhelan crear las condiciones para la realización de procesos educativos liberadores. Compitiendo aún en ventaja con los mensajes de “modernización” que consideran al uso de las nuevas tecnologías como salvoconducto exclusivo para “adaptarse” a los nuevos tiempos, como así también con la imposición de  contenidos de la cultura mediática, generando contenidos propios.

Esto no significa, en manera alguna, que estemos abogando por desterrar la posibilidad de usar las Tics en la escuela, muy por el contrario creemos que las nuevas tecnologías deben ser usadas en la escuela de modo pleno, pero su uso no es un fin en sí mismo, por lo tanto deben ser usadas en la medida y modo que atiendan y faciliten nuestros fines, y la generación de contenidos y producciones de sentido seguirán dependiendo de nuestra democrática y conciente decisión.

A este respecto Postman (1990), refiriéndose de forma especial a la cultura mediática, denunció la perversidad, no tanto de algunos de sus contenidos ‘basura’ y moralmente censurables, cuanto a sus influencias más sutiles, las que supondrían el cultivo que propicia determinadas orientaciones, que sólo favorecen los intereses de los grupos económicos dominantes.

Juan M. Escudero Muñoz (2001) en (Publicación de la Universidad de Murcia – “Sociedad de la Información y Educación”; Cap. “La Educación y la Sociedad de la Información: cuestiones de contexto” dice: “En el nuevo entorno, […] podría estarse cultivando un nuevo orden de los sentidos, y, de ese modo, formas diferentes de conocimiento y transmisión de la cultura. Uno de los rasgos más característicos, en lo que se refiere a la adquisición del conocimiento y el desarrollo de los procesos mentales correspondientes, sería la prevalencia de la inteligencia simultánea a expensas de la lineal y sucesiva”. Nuestros lenguajes están insertos en ese orden de los sentidos - que además no es nada nuevo para el arte - en los que prevalece la inteligencia múltiple y simultánea. Del mismo modo nuestros textos, son otros distintos de los exclusivamente alfabéticos. Es más, nuestros lenguajes están en condiciones óptimas de combinarse con las nuevas tecnologías sin que esto configure un recorrido difícil o traumático, por el contrario el teatro ha acudido prontamente a nuevas tecnologías siempre a lo largo de su historia, y en otras épocas ha hecho punta en su utilización, advirtiendo rápidamente los usos expresivos y comunicativos que proveían los nuevos significantes que posibilitaban producir, nuevos artefactos pensados originariamente para otros fines.

Pasando a otro tema de especial relevancia, existe a menudo en nuestras escuelas una tensión entre el énfasis puesto en la incorporación de contenidos y la lectura del propio mundo, y las producciones que de esa lectura devienen, generando contenidos y complementos de mundo propios, transformadores de la propia realidad. Esta tensión, no tiene una respuesta unívoca a modo de solución, y deben ser resueltas, por tanto, en el marco de cada coyuntura particular.

Las Escuelas de Estética están en extraordinarias condiciones de hacer su aporte a la construcción de una educación crítica. Existen dos posiciones respecto del sentido de una educación crítica. Por un lado, la expresada por Dermeval Saviani: “la educación crítica es la que hace posible que el dominado domine lo que domina el dominador”; por otro, la que proviene del pensamiento freireano: “la educación crítica y liberadora es la que alienta a que el oprimido pueda leer el mundo, problematizarlo y transformarlo.”

Ambas posiciones pueden haber sido malentendidas en algunas lecturas y prácticas. Por eso, necesitamos conjugar ambas teniendo en cuenta que la formación no es sólo fortalecer la incorporación de objetos de saber, como si estos fueran estáticos y “naturales”, ni es tampoco un proceso pretendidamente crítico que sólo se basa en el espontaneísmo.

La posibilidad de creación y apreciación estética es común a todo el género humano, claro está que para apropiarse de los medios para crear y apreciar es necesario pasar por la experiencia sensible, ayudar a otros a vivirla con plenitud es nuestra tarea docente. El ser humano puede situarse en el rol de partícipe productor o espectador de esta experiencia, no intervenir en ella de una u otra manera es perderse una porción muy jugosa de la vida, es dejarse robar todo lo que el arte tiene para darnos.

Sobre nuestros lenguajes

El arte es un aspecto único de la cultura y de la experiencia humana, su contribución más valiosa es aportar sus valores implícitos y sus características específicas, ofreciéndole a la educación del hombre precisamente lo que otros ámbitos no pueden ofrecerle. Todo programa educativo de arte que lo utilice principalmente como instrumento para lograr otros fines, está adulterando, en primer lugar la experiencia artística y de alguna forma robando al niño lo que el arte puede aportarle. El arte es tanto una actividad cognitiva, como basada en el sentimiento y en la experiencia sensorial directa. El problema gira entonces en torno a la labor de ampliar el concepto de cognición usualmente aceptado, que lo restringe excesivamente a una mediación discursiva.

Los lenguajes artísticos son lenguajes especializados, cuyas formas y modos de representación no están sujetos a reglas altamente formalizadas.

Precisamente por esta condición permiten un alto grado de creatividad en su ordenamiento y en el tratamiento de sus formas y modos característicos.

Sobre el Teatro en particular

Si consideramos al teatro en lo que tiene de característico, y con ello se nos permite diferenciarlo de otras formas de expresión artística, debe ponerse énfasis en el modo en el que se representan los contenidos y en las formas por las cuales un determinado proyecto comunicacional se presenta a sus receptores. El espectáculo teatral es una objetivación, una materialización de contenidos subjetivos hechos públicos en una situación de encuentro colectivo. Supone la articulación intersubjetiva de todos los participantes del hecho teatral en cuanto a los contenidos y las formas en las que se expresan. Es decir que requiere que actores y espectadores participen de un universo de significados y expectativas, y compartan mínimamente las normas organizativas del discurso para que el intercambio de lugar a una posibilidad de comunicación en un contexto histórico y social determinado.

El hecho teatral, como producto artístico, es la obra dramática representada. La representación dramática es una enunciación cognoscitiva, en tanto produce enunciados sobre la realidad vivida o imaginada, es una forma de conocimiento no discursivo, pero no ajeno al análisis racional.

Cuando los alumnos participan de experiencias de teatro en la escuela están aprendiendo un conjunto de saberes y conocimientos, y desarrollando habilidades, unos comunes a otros campos del arte, y otros que son propias del teatro exclusivamente.

Desde un punto de vista pedagógico, la selección de contenidos y las expectativas de logro para la educación artística en general, parte del supuesto de que en los aprendizajes artísticos los alumnos ponen en juego procesos perceptivos, cognitivos, afectivos, sociales y valorativos, integrados en las experiencias y en las producciones.

Se busca que los niños aprendan sobre el lenguaje teatral haciéndolo, desde esta perspectiva es posible contribuir a la formación de los alumnos como productores de hechos culturales, en lugar de meros consumidores pasivos.

La función de la enseñanza del teatro y de las intervenciones del docente será entonces la de proveer a los alumnos las oportunidades para apropiarse de los códigos y modos específicos de operar del arte teatral, de tal manera que se conviertan en medios apropiados para su propia expresión y  comunicación.

No se pretende alcanzar en el dominio productivo niveles de excelencia artística, pero sí poner al alcance de todos los niños las posibilidades expresivas del lenguaje teatral. Todos los niños pueden encarar una actividad dramática y encontrar en ella una instancia movilizadora de su potencial creativo, expresivo y comunicacional.

La consideración del teatro como un medio de expresión – comunicación al alcance de todos, lo presenta como un hacer no sujeto a pretendidas aptitudes, ni condicionado por requisitos de formación, edad o cualquier otro, sino como solo sostenido por el interés y gusto del niño, que lo internaliza como experiencia vital.

El teatro y su aprendizaje son  además  actos de encuentro colectivo. Generador de espacios de comunicación y actividad lúdica y estética, propiciadores de participación, solidaridad y responsabilidad compartida, del juego en común como fundamento de la realización personal y social y de la producción artística.

PROPÓSITOS 1° y 2° Niveles

• Desarrollar un trabajo tendiente a que el alumno valore su cuerpo como instrumento de expresión y comunicación teatral.

• Proponer un tipo de trabajo que permita hacer hincapié en la importancia de la comunicación de significados que parten de constructos grupales y en la elaboración grupal de las producciones.

• Llevar a cabo una práctica sistemática y continua de exploración teatral, apropiación de procedimientos, producción dramática y apreciación estética (semántica, gramatical y sintáctica).

• Posibilitar a los alumnos el desarrollo de sus capacidades relacionales intra e interpersonales, en un proceso de construcción de la identidad personal y social.

• Trabajar para que los alumnos puedan adquirir capacidades que les permita comprender y crear mensajes, expresarse y comunicarse, con distintos tipos de signos (lingüísticos, corporales, plásticos, sonoros, etc.).

• Crear condiciones para que la evolución en el acceso al código del lenguaje teatral y su uso, proporcionen al alumno la posibilidad de resignificar las percepciones y expresiones de la realidad, comprendiéndola y proponiendo soluciones alternativas a través de sus producciones.

• Posibilitar que los alumnos puedan percibir y opinar como espectadores activos en la recepción de hechos teatrales para el desarrollo de un juicio critico fundado en los conceptos teatrales aprendidos.

PROPÓSITOS 3°- 4° y 5° Niveles

• Asegurar que los alumnos puedan apreciar el discurso estético teatral teniendo en cuenta los  componentes históricos y socioculturales.

• Llevar a cabo una práctica sistemática y continua de exploración, producción y apreciación.

• Proponer un tipo de trabajo que permita hacer hincapié en la importancia de la comunicación y elaboración grupal.

• Proponer un tipo de trabajo que permita reconocer, discriminar y analizar cómo funcionan los elementos de la estructura dramática, siempre partiendo desde la acción-improvisación  para la lectura y construcción de mensajes con sentido estético.

• Posibilitar a los alumnos el desarrollo de sus capacidades relacionales intra e interpersonales, en un proceso de construcción de la identidad individual y social.

• Ofrecer a los alumnos oportunidades para desarrollar  la autonomía, entendida como capacidad para dirigir por sí mismo su propio proceso de desarrollo creativo.

• Generar o posibilitar para el grupo de alumnos procesos de creación cultural a través de procedimientos, técnicas o recursos teatrales

• Crear condiciones para que la evolución en el acceso al código del lenguaje específico, proporcione al alumno  la posibilidad de resignificar las percepciones y expresiones de la realidad comprendiéndola y modificándola a su vez.

• Brindar propuestas tendientes a que el alumno descubra en el uso de la metáfora la posibilidad de dar nuevas dimensiones a la producción y recepción teatral.

• Asegurar que los alumnos puedan desarrollar la comprensión de la organización de los elementos de la estructura dramática para la propia producción y recepción del hecho teatral. 

1º y 2º Nivel

CONTENIDOS

Núcleo temático: El cuerpo teatral

Este núcleo temático pretende aglutinar los contenidos relacionados con el reconocimiento, el uso y la valoración del cuerpo como instrumento de la acción teatral. 

Eje del lenguaje

El sujeto real (actor).

El cuerpo y su potencial expresivo.

El cuerpo como emisor y receptor de mensajes.

Valoración de las posibilidades del propio cuerpo y del compañero.

Reacción corporal y verbal ante diferentes estímulos (internos y externos).

Eje de la producción

Valoración del cuerpo como instrumento de expresión.

Exploración de las posibilidades de registro y respuesta sensorial integrada del cuerpo y de la voz.

Desarrollo de las posibilidades del propio instrumento expresivo a través del trabajo con el movimiento con la voz y el gesto:

Distintas formas de desplazamientos por el espacio, niveles direccionalidades, posturas físicas y ritmos.

Movimientos simultáneos, sucesivos y alternados del propio cuerpo en relación con los demás y con los objetos. (Imitaciones, espejos, paralelos o sombras).

Juegos, imágenes y gestos vocales productivos y reproductivos.

Eje de la recepción

El desarrollo de la atención a través del uso del esquema perceptivo.

El respeto por el tiempo y el espacio del trabajo propio y ajeno.

La percepción: libre y orientada. La percepción parcial-percepción global. La percepción sensorial. La percepción analítica: discriminación de elementos componentes del uso expresivo del cuerpo en manifestaciones artística o de la realidad observadas y o producidas.

La exploración multisensorial y lúdica.

El cuerpo en su relación con el espacio, con los otros, con los objetos y con la realidad circundante.

Eje del contexto sociocultural

El uso del cuerpo en la cotidianeidad de su entorno.

El trabajo con imágenes corporales extraídas del contexto particular de los alumnos.

Núcleo temático: El juego teatral

Este núcleo abarca los contenidos relacionados con este específico juego que pose reglas y características propias. Atiende al juego de la ficción simbólica, sus elementos y las  convenciones que  organizan su desarrollo.

Desarrollo simultáneo en los cuatro ejes.

Eje del lenguaje

Las reglas del juego de la ficción. Las convenciones lúdicas.                 

Los elementos componentes del juego teatral: Sujeto: El sujeto imaginario (roles). Roles conocidos e imaginarios. Rol opuesto y complementario. Rol cercano y lejano.

Acción: Las acciones reales e imaginarias. Acciones cotidianas y no cotidianas.

Conflicto: El conflicto con los demás: acción y reacción en oposición. El conflicto con el entorno y las cosas.

Entorno: El espacio del juego teatral. Relaciones con el espacio total, parcial, personal y compartido. Espacio de la actuación (espacio de la ficción). Transformaciones reales e imaginarias del espacio.

Espacio del espectador.
Eje de la producción

El juego teatral como situación lúdico-simbólica. Las reglas de este juego.

Juegos de socialización (el vínculo y la confianza individual y grupal).

Juegos de roles.

Juegos de improvisación con diferentes grados de injerencia del docente en su conducción. Desde la estimulación continua hacia el trabajo con propuestas  acotadas.

Improvisación  a partir de diferentes estímulos provenientes de otros lenguajes o de datos de la realidad.

Desarrollo de la acción dramática de acuerdo al entorno, al rol y al conflicto planteado.

Improvisaciones a sala total simultáneas o en subgrupos.

La organización simple de acciones como secuencia teatral.

La acción con el objeto real, con el objeto transformado y con el objeto imaginario.

Objeto imaginario. Observación e imitación de acciones. Diferenciación de movimiento y acción.

Exploración de diferentes tipos de conflictos: con el otro, con el entorno.

Construcción del espacio de la ficción a través de las acciones.

El espacio real: El espacio escénico (para actuar)  y el espacio teatral (el escénico mas el del espectador).

El ejercicio del rol de actor y de rol de espectador

Eje de la recepción

Reconocimiento de los elementos visuales, del lenguaje teatral, plásticos, musicales y de la danza en producciones teatrales. El registro de su uso en producciones propias.

Reflexión acerca de sus producciones.

Respeto en la recepción del trabajo del compañero. Análisis y aportes con relación a la propuesta planteada.

Participación como espectadores del trabajo de otros compañeros.

Construcción del pensamiento crítico y el juicio estético mediante la elaboración de la opinión personal.

Eje del contexto sociocultural

El teatro como producción artística. Su especificidad y sus relaciones con otras disciplinas artísticas: literatura, plástica, música, danza.

Registro de diferentes manifestaciones teatrales (circo, teatro de sombras, títeres, etc.). Vinculación del hecho teatral con otras expresiones del medio cultural.

-Las relaciones entre el teatro y otros medios de comunicación: radio, cine, video y televisión

3º - 4º Nivel y 5º Nivel[1]

CONTENIDOS

Núcleo temático: Elementos del lenguaje teatral

Este núcleo se vincula con el desarrollo del conocimiento de las posibilidades expresivas corporales y vocales en el espacio-tiempo teatral hacia la construcción de la acción teatral.    

 
Eje del lenguaje

- El Sujeto: El sujeto real (actor), el cuerpo como instrumento de comunicación. El cuerpo como emisor y receptor de mensajes. El cuerpo en el espacio-tiempo. Esquema corporal, calidades de movimiento (tiempo-espacio- energía), la actividad motriz. Cuerpo real, cuerpo de ficción. Valoración de las posibilidades del propio cuerpo y del compañero. Percepciones del cuerpo y del entorno. Las percepciones auditivas, visuales, táctiles y olfativas. Sujeto imaginario, acercamiento al personaje. Primeros elementos para la composición y caracterización. El estereotipo, el arquetipo y el tipo.

- La acción. La acción como herramienta de comunicación. La acción en relación con el espacio, el tiempo, el personaje y la situación. Linealidad y contradicción. Las acciones reales e imaginarias. Acciones cotidianas y no cotidianas. Acción e intención: el objetivo, objetivo oculto. Acciones transformadoras. La acción como gesto expresivo y su relación con el espectador. La acción en relación con el vestuario y los elementos escenoplásticos (utilería y escenografía)

- Conflicto: Objetivo (propósito dado). El conflicto como núcleo de la situación. Tipos de conflicto: El conflicto del entorno. El conflicto con uno mismo. El conflicto con el otro.

- Organización de los elementos en una trama o historia.

- Entorno: Espacio de la actuación (espacio de la ficción). Espacio del espectador.

- Circunstancias dadas.

Eje de la producción

Sujeto: El cuerpo y su potencial expresivo (recursos corporales y vocales). Exploración del cuerpo en relación al espacio y a la acción dramática.

Las imágenes sensoriales para la producción teatral.

Gestualidad. La exploración del gesto. El gesto como productor de sentido.

El gesto en las distintas partes del cuerpo y sus relaciones. El gesto en relación con el espacio, el tiempo y energía (amplitud, tensión y velocidad).La cotidianidad y la no cotidianidad del gesto. Gesto y palabra. El gesto vocal.

La exploración de la voz. Composición de la voz a partir de la búsqueda de distintos resonadores, modificaciones articulatorias y uso del volumen. La proyección de la voz y la adecuación al ámbito escénico. Las posibilidades vocales. Proyección en el espacio. La elevación, la potencia, el timbre y la coloración de la voz.

La palabra como acción.

Acción: Exploración de los objetos de uso cotidiano y escenoplásticos y su vinculación con la acción dramática.

El registro sensible de la acción. Secuenciación, repetición y variación.

La acción con el objeto real, con el objeto transformado y el objeto imaginario. Objeto imaginario. Observación e imitación de acciones. Diferenciación de movimiento y acción.

Conflicto: Exploración de diferentes tipos de conflictos: con el otro, con el entorno y con uno mismo.

Entorno: Construcción del espacio de la ficción a través de las acciones.

El espacio real: El espacio escénico (para actuar) y el espacio teatral (el escénico más el del espectador).

El tiempo real y el tiempo de la ficción.

El ejercicio del rol de actor y de rol de espectador. Improvisaciones a sala total simultáneas o en subgrupos.

Eje de la recepción

El desarrollo de la atención a través del uso del esquema perceptivo.

El respeto por el tiempo y el espacio del trabajo propio y ajeno.

La información sensorial en la producción teatral. Su expresión en forma de emociones y sensaciones.

La percepción parcial-percepción global. La autopercepción (sensibilización y percepción del propio cuerpo). La percepción analítica: discriminación de elementos componentes del uso expresivo del cuerpo en manifestaciones artística o de la realidad observadas y o producidas. Su discriminación-memorización-evocación.

El análisis de la producción teatral.  Registro e identificación de los elementos del lenguaje teatral y su utilización en las producciones.

La interpretación de la organización de los elementos teatrales en un discurso percibido o representado.

La interpretación de los niveles de significación de la obra. Juicio crítico.

Eje del contexto sociocultural        

El teatro como creador de signos expresivo - comunicativos de la realidad cultural.

Registro de diferentes manifestaciones teatrales (circo, teatro de sombras, títeres, etc.) y su aporte a las producciones propias o de su medio.

Las relaciones entre el teatro y otros medios de comunicación: radio, cine, video y televisión.

La acción dramática como vehiculo para conocer, interpretar y transformar la realidad.

      

Núcleo temático: Organización de los elementos del lenguaje teatral

Este núcleo se refiere a los aspectos que intervienen directamente en la producción del discurso teatral, sus recursos organizacionales y estéticos.

Eje del lenguaje

El sujeto, la acción y el conflicto y su desarrollo en el entorno.

El entorno: Las circunstancias dadas, los indicios del antes y el después.

El espacio dramático y el espacio escénico.

Relaciones con el espacio total, parcial, personal y compartido. El tiempo y el espacio.

Temporalidad rítmica.

El cuerpo en relación con el espacio: juegos de exploración de espacios, la transformación del espacio real, uso del espacio de modo no convencional. El espacio compartido.

El Espacio Actoral o gestual. El tiempo objetivo exterior, el tiempo subjetivo interior, tiempo dramático y tiempo escénico.

Historia /Argumento: La creación colectiva. El texto dramático o espectacular (genotexto), su proceso creativo.

Eje de la producción

La improvisación. Exploración y práctica de las técnicas de improvisación. Adaptación a las propuestas de los compañeros y a las consignas del docente durante la improvisación.

Respeto a la propuesta convenida para improvisar.

Exploración de diferentes materiales como soportes para la improvisación

El proyecto teatral: creación colectiva.

La experimentación de roles cercanos y lejanos, complementarios y protagónicos.

El acercamiento a personajes a través de la exploración de elementos simples para la composición y caracterización.

La recreación de textos diversos. La lectura comprensiva y de animación.

La distinción de unidades de acción.

Juegos de roles o personajes organizados en improvisaciones con estructura dramática.

Desarrollo de la acción dramática de acuerdo al entorno, al rol y al conflicto planteado.

La organización de acciones como secuencia teatral.

La iluminación. La música. Material no convencional para la construcción de escenografía y vestuario.

Eje de la recepción

Reconocimiento de los elementos visuales, del lenguaje teatral, plásticos, musicales y de la danza en producciones teatrales. El registro de su uso en producciones propias.

Reflexión acerca de sus producciones.

Respeto en la recepción del trabajo del compañero. Análisis y aportes con relación a la propuesta planteada.

Participación como espectadores del trabajo de otros compañeros.

Construcción del pensamiento crítico y el juicio estético mediante la elaboración de la opinión personal.

Reconocimiento de diferentes roles para la ejecución de la puesta en escena.

Identificación de los recursos aplicados en la producción del discurso teatral.

Eje del contexto sociocultural

El teatro como producción artística. Su especificidad y sus relaciones con otras disciplinas artísticas: literatura, plástica, música, danza.

Las producciones teatrales del entorno; su análisis.

Variables socioculturales que determinan las distintas manifestaciones y estéticas teatrales.

Vinculación del hecho teatral con otras expresiones del medio cultural.- Criterios de valoración de las manifestaciones estéticas del entorno cultural.

Las producciones artísticas en los medios de comunicación social; su análisis. El juicio crítico.

Propuesta Metodológica

Hacer teatro supone un tipo de trabajo que se centra en el hacer reflexivo. Enseñar y aprender teatro también. Para el desarrollo del accionar teatral el docente debe posibilitar el reconocimiento y la exploración de la unidad de gestualidad significante (cuerpo) y su valoración como instrumento de expresión hacia la desinhibición y la comunicación.

A la capacidad de ficcionalizar a través del cuerpo (cuando digo cuerpo, digo gesto y digo voz. Es absolutamente conciente, autónoma y racional la decisión de no separarlos), la llamaremos Rol. Este juego del “como si…”, será alimentado por la observación y la imitación de seres de la vida real, por historias narradas o escritas aportando progresivamente elementos de acercamiento a la construcción del personaje, también podrán utilizarse disparadores plástico-visuales, acciones descontextualizadas desde las que se aborde la construcción de la textualidad, disparadores musicales, sonoros, vestuario, etc.

Dentro de las estrategias didácticas a desarrollar debe considerarse a la improvisación teatral como el procedimiento y la técnica principal. Lo que se improvisa es la respuesta espontánea ante el desarrollo de una situación teatral inesperada y por consiguiente, la habilidad de encontrar de forma creativa, la respuesta para tratar y resolver una situación escénica a través del lenguaje y lo gestual. Improvisar es explorar en acción. De este modo el alumno se encontrará desarrollando su capacidad de adaptación ante estímulos o situaciones nuevas a través de procedimientos concretos de aplicación teatral. Es importante plantear la improvisación como contenido en sí mismo y como herramienta para la interacción y construcción de situaciones teatrales, que faciliten la comprensión de los elementos básicos de la estructura dramática y su dinámica. Debo aquí realizar una aclaración, la improvisación no deberá – en sentido estricto – ser total, colocar a los alumnos frente a la asunción de la improvisación total, sin siquiera un dato o consigna preciso, es ubicarlos frente al vacío, sin ninguna garantía de conseguir algo más que la parálisis creativa.

Se considerará de suma importancia  que los alumnos puedan ocupar alternativamente tanto el rol de actor como el de espectador y entrar y permanecer en el juego de ficción. La revisión y el ensayo son prácticas necesarias para lograr mayor claridad con respecto a lo que se desea expresar. De esta manera el ejercicio de revisión facilitara la reflexión sobre la propia acción y posibilitara la afirmación de los aciertos y el trabajo con el error.

Recursos materiales y didácticos

Se utilizarán materiales experimentales para los momentos de experiencia sensible: cartones, telas, tizas, globos, pelotas, barales de madera, latas, sogas, ovillos de lana, papel de diario o revistas, lápices de colores, crayones, cartulinas, instrumentos musicales; también material audiovisual, música,  y copias de pinturas. Todo el material es de fácil accesibilidad y tendrá por finalidades: la exploración, el reconocimiento, la comunicación, el uso y la transformación de objetos; como así también su uso como disparadores – estímulos de imágenes y sensaciones, que permitan explorar diferentes dimensiones de los fenómenos de expresión y comunicación, dramáticos, Sirviendo además en algún caso como instrumentos transpositores a diversos lenguajes artísticos. Por ejemplo: de la voz humana como instrumento de expresión musical a la grafía espontánea de la voz en una dibujo, de un dibujo al volumen de una construcción en papel de diario, del volumen a  un título expresado en palabras, del título a una historia tramada en un cuento compartido, del cuento compartido al cuento animado, del cuento animado a su dramatización.

Evaluación

A partir de la selección de criterios evaluativos en cada instancia el docente podrá evaluar si las propuestas desarrolladas durante el proceso han sido adecuadas y si los alumnos han adquirido saberes nuevos de los que pueden disponer. Por ejemplo: en alguna ocasión se pondrá el acento en el claro recorte del conflicto, en otra en la organicidad de la conducta escénica, o en la comunicación entre los personajes, o en la linealidad o contradicción, o en los matices presentes o ausentes, o en la dicción y proyección de la voz, en la limpieza de la puesta en escena, etc. La selección de estos criterios debe hacerse teniendo en cuenta los propósitos planteados en el proceso que se evalué. Es de suma importancia entonces, tomar como referencia la totalidad del proceso realizado y no sólo los productos conseguidos.

Así es que se tendrán en cuenta:
#La aceptación del como sí o sí mágico en situaciones diversas.
#La efectiva separación y/o superposición de los espacios, real-imaginario, ficción-público.
#La aceptación y disfrute del desempeño del rol.
#La continuidad ficcional sin interrupciones del rol personal.
#La mantención de la organicidad.
#La comunicación intraescena.
#La comunicación extraescena.
#La comprensión y el sostenimiento de las tesis subyacentes en el aspecto semántico.
#La aceptación de la protección ficcional.
#La disposición ante la asunción del riesgo que ofrece el desafío dramático.
#La comprensión de la importancia central de la gestualidad significante actoral corporal.
#La comprensión y aceptación de la necesidad actoral del trabajo sobre sí mismo.
#La comprensión de la relevancia de las aptitudes técnicas.
#El avance en el abandono del temor a la exposición.
#La comprensión de los diferentes grados de la improvisación y su efectivo recorrido.
El docente debe explicitar a los alumnos aquello que se evalúa en cada instancia, de esta manera los niños podrán reflexionar sobre los logros de aprendizaje alcanzados. En un primer momento es solo el docente el que determina las pautas de evaluación, clarificando conceptos para que el grupo de alumnos tome conocimiento del lenguaje técnico y los elementos que se evaluarán. Luego se habilitará una instancia en la que la observación y reflexión crítica de los trabajos se realizará conjuntamente entre alumnos y docente, teniendo como objetivo subrayar los aciertos, enriquecerlos, y dar la oportunidad de modificaciones y corrección de los errores y dificultades observados durante el proceso en relación con los propósitos planteados. Dentro de esta concepción evaluativa se proponen como instrumentos adecuados, y que deben ser usados en alternancia e integradamente: la autoevaluación, la devolución y la evaluación grupal.

• La autoevaluación permitirá a los alumnos reflexionar sobre su propio proceso, revisando y valorando sus posibilidades expresivas y comunicativas, comparando su progreso con lo que esperaba lograr y detectando los obstáculos que ha enfrentado y sus logros.

• La devolución habilitará un espacio de dialogo en donde el docente con los alumnos realizan ajustes acerca de los modos en que realizaron la improvisación o ejercicio en los que intervienen el cuerpo, el espacio, la relación grupal, los procedimientos de ficcionalización, etc. De esta manera se aclaran los alcances del contenido que se está trabajando, verbalizando valores y conceptos propios de la materia.

• La evaluación como construcción grupal en la que se abre el debate sobre los roles, la dinámica grupal, los contenidos trabajados, la producción, etc.

En cualquiera de las situaciones la información evaluativa volcada no debe restringirse a la reseña de los puntos débiles, sino que debe comprender un diseño necesario para la modificación en acción de los errores detectados. El resultado de una evaluación deberá incidir no sólo sobre las conductas del alumno, sino también sobre las del profesor, sobre la planificación, sobre la propia evaluación y en especial sobre los instrumentos de medida.

Se evalúa, por lo tanto, en situaciones cotidianas del aula y en condiciones reales de trabajo, no mediante pruebas, exámenes escritos u otros instrumentos ajenos a la dinámica teatral.

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[1] He decidido seguir los lineamientos curriculares vigentes para el 2º ciclo de la educación primaria también para el 5º nivel, son más completos, abarcativos y pertinentes (hay en el 5º nivel alumnos que contactan con el lenguaje por vez primera) que los de la Secundaria básica. Podría decirse que las Escuelas de Estética deben asumir un horizonte formativo que contemple un plus respecto de la educación común, y esto es completamente cierto, más, no es el diseño curricular el que lo provee, sino el desarrollo curricular institucionalmente situado. Además, los especialistas curriculares que han operado como diseñadores en estas instancias, han sido nuestros profesores o bibliografía trabajada durante nuestra formación en las Facultades de Arte, esto es garantía de nuestro contacto directo con las fuentes que informan los sentidos que se desprenden del diseño.